LIBRO FINAL

 

INDICE

 

1.  Contemporaneidad, fisión entre mundos ………………………………………………………………………………….. pág. 2

2. "Si han llegado hasta aquí, son actuales"  ……………………………………………………………………………… pág. 3-4

3. La personalización de lo contemporáneo ……………………………………………………………………………………. pág. 5

4. De la piedra al vidrio …………………………………………………………………………………………………………………... pág. 6

5. Bueno, bonito, barato: ejecutando lo contemporáneo …….………………………………………………….… pág. 7-8

6. Banco y Galería …………………………………………………………………….…………………………………………………….. pág. 9

7. Elegancia contemporánea ………………………………………………………............................................ pág. 10

8. Iglesia San José: la renovación ………………………………………………………………………………………………… pág. 11

9. EXENTRIC ……………………………………………………………………………….…………………………………………………. pág. 12

10. Le Corbusier ……………………………………………………………………………………………………………………………. pág. 13

11. Geometría fragmentada …………………………………………………………………………………………………………. pág. 14

12. La caja Sert ………………………………………………………………………............................................... pág. 15

13. La Eames House …………………………………………………………………......................................... pág. 16-17

14. ABSTRACCION …………………………………………………………………………………………………………………………. pág. 18

15. ¿Modernidad en LATAM? ………………………………………………………………………………………………………... pág. 19

16. Carpenter Center y Mill Owner's Association Building …………………………………………………………… pág. 20

 

 

 

1.    Contemporaneidad, fusion entre mundos

 

 

            Muchas veces hemos utilizado el término “contemporáneo”, pero no nos hemos puesto a investigar qué es ser contemporáneo, qué implica y en qué consiste.  Lo contemporáneo es una mezcla de especies de la línea del tiempo.  Cada periodo histórico representa algo nuevo y revolucionario, mientras que lo contemporáneo es un reciclaje de los antes mencionados.  Por ende, ser contemporáneo no es una visión nunca antes vista, sino que es un viaje al pasado para recolectar ideas no utilizadas de las diferentes especies o periodos, para de esa forma crear algo que no es de este tiempo presente, sino que, del pasado, pero con un nuevo uso.

 

            Si nos ponemos a mirar al pasado, cada periodo en la línea del tiempo es único, tienen elementos que los caractericen.  Lo contemporáneo es tomar dos periodos y sacar un hijo de ellos.  No son dos periodos en específico los que componen lo contemporáneo, sino entrelazar las diferentes eras arquitectónicas en diferentes combinaciones posibles, por lo que lo contemporáneo no se sujeta a un estilo particular de la época actual.  Tenemos diferentes estilos combinados en una sola era, por lo que no solo no tenemos un estilo nuevo y fresco, sino que es una ensalada de estilos ya existentes, lo que hace que esta época no se pueda reconocer por un estilo en específico.

 

            Cuando vemos o hablamos de algo contemporáneo, no se nos viene a la mente algo que parezca ser de una época pasada.  En el párrafo anterior se menciona que lo contemporáneo es una fusión entre épocas pasadas, pero ¿por qué la arquitectura contemporánea no se parece a aquellas que las preceden?  La respuesta es simple, son adoptando elementos de otras épocas, pero en un acercamiento diferente.  Hemos vivido en la ignorancia de creer que la época contemporánea es una completamente nueva, algo que jamás se había pensado, cuando en realidad, no es tan cierto. No es algo actual, es algo que antes no se había utilizado como hoy en día.

 

            Podemos ver que en la línea de tiempo nacen nuevas edades hasta que llegamos a la edad contemporánea, en la que pareciera que se quedaron sin ideas para crear nuevas eras, así que decidieron reciclar las que ya existían.  Apareándolas entre sí como si pertenecieran al reino animal, pero yendo en contra de lo posible haciendo lo imposible.  Buscando qué sobras quedaron de edades pasadas para poder aplicarlas a la época.  Cuando hablamos de contemporáneo siempre pensamos en algo nuevo, moderno, revolucionario, cuando no es así del todo. En realidad, se presentan ideas “nuevas” pertenecientes a otros siglos, ya sea por aparearlos o por verlos con otra mirada y sacarles algo diferente para poderlos aplicar al hoy.  Pero eso no significa que se hayan inventado algo de la nada.

Referencia:

4213 referencias. 3121-4213. (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from http://www.isado.net/referencias-4213

 

 

 

 

 

2.    "Si han llegado hasta aquí, son actuales"

 

 

 

    En la reflexión pasada hablé sobre qué es y en qué consiste ser contemporáneo, y basado en las lecturas de Giorgio Agamben y Lydia Kallipoliti, se llegó a la conclusión de que lo contemporáneo no es algo nuevo, sino que es una mezcla de épocas y un compendio de elementos que no se utilizaron de ellas en aquel entonces.  Viéndolo desde esa perspectiva, entre el arquitecto Enric Miralles y Thom Mayne, escogí a Enric Miralles, ya que su punto de vista se alinea con lo que argumenté la vez pasada.  Para respaldar la relación entre Enric Miralles y lo hablado en la reflexión pasada, estaré hablando de él y mencionando 5 de sus obras. Las obras que escogí para esta ocasión son la renovación del Mercado de Santa Caterina, Sede de Gas Natural en Barcelona, Aulario Universidad de Vigo, Parlamento de Escocia y la Biblioteca Pública en Palafolls.  

 

 

Anteriormente se mencionó que “contemporáneo” es algo que adopta características de épocas pasadas, ya sea que mezcla estilos o que utiliza elementos que no se utilizaron en aquel entonces y se plasman ahora.  Si vemos la manera de pensar de Enric Miralles, se alinea con lo que es la definición de lo contemporáneo según la reflexión pasada.  Miralles no distinguía un edificio del pasado con un edificio del presente.  Se puede decir que, al mezclar tipologías o estilos estructurales existentes, la esencia de cada una de las épocas anteriores se perdía.  Esto es, porque si se toman elementos que tienen una esencia diferente y se combinan, se crea algo nuevo con diferentes esencias y eso provoca que no se pueda diferenciar cual es una combinación y cuál es puro.  

 

Pasando a las obras de Miralles, algunas de ellas son el Mercado de Santa Caterina, la Sede de Gas Natural en Barcelona, el Aulario Universidad de Vigo, el Parlamento de Escocia y la Biblioteca Pública en Palafolls.  El Mercado de Santa Caterina ocupa en cierto modo un lugar especial en mi corazón de aspirante a arquitecta, ya que profesores me lo han sugerido como precedente en mis primeros años de estudio en la carrera por su peculiar cubierta de techo.  Aunque este mercado es icónico por su techo, podemos ver que es extraordinario cómo Miralles se atrevió a colocarle una cubierta que parece un mantel plegado a una fachada neoclásica, creando un gran contraste.  La Sede de Gas Natural en Barcelona es un vivo ejemplo de cómo una arquitectura contemporánea puede parecer futurístico en cierto modo, con su diseño peculiar y diferente, creando voladizos y cruzando de un lado a otro conectando la estructura. Del Aulario Universidad de Vigo, me gusta ya que su diseño y los materiales utilizados para su construcción parecen sacados de una película de Star Wars.  El Parlamento de Escocia es una de sus obras que más me intrigan mucho, me encanta que en la fachada haya un lenguaje y en el techo haya otro completamente diferente.  La fachada tiene un lenguaje ortogonal mientras que la vista desde el techo es una la cual adopta curvas y gracias a su materialidad en vidrio permite la entrada de iluminación natural.  Siguiendo una línea similar a la del Parlamento Escoces, tenemos la Biblioteca Pública de Palafolls. Ambas comparten los elementos curvos en su diseño, lo cual me gusta porque en mis inicios estudiando la carrera siempre tuve la tendencia a pensar todos mis diseños de manera ortogonal. Llegó un tiempo en el que decidí retarme y añadir elementos curvos en mis diseños y desde que comencé a hacer eso creo que mis diseños tienen algo curvo en ellos. 

 

Mientras escribía la reflexión anterior me preguntaba cómo es eso de que lo contemporáneo en realidad fuera un “medley” del pasado, pero al leer de Miralles pude ver cómo él lo respalda.  Enric Miralles decía “Si han llegado hasta hoy, son actuales”.  Se me hacía difícil comprender y asimilar lo contemporáneo según lo definido la reflexión pasada, pero Miralles me ayudó a comprenderlo.   Algo contemporáneo puede ser algo tan literal como el Mercado de Santa Caterina, que contrasta el estilo de la fachada con el estilo del techo, como también puede ser algo no tan literal como la sede de gas natural.  Esto nos enseña que no hay una forma correcta o incorrecta de diseñar arquitectura. 

 

Referencia:

Zabalbeascoa, A. (2020, July 3). Veinte años sin enric miralles. El País. Retrieved December 14, 2021, from https://elpais.com/cultura/2020/07/02/babelia/1593693900_321050.html

 

 

3.    La personalización de lo contemporáneo.

La intrigante y cautivadora arquitectura de las bibliotecas de Labrouste fue la que me convenció a estudiar más de él. Su estructura me dejo deseando conocer más de él como arquitecto. Mientras leía sobre el en el pdf presentado en clase, pude conocer más a Labrouste y el por qué detrás de sus decisiones. Labrouste revolucionó la arquitectura e hizo arquitectura controversial, combinando estilos de diferentes épocas y nombrándolos según las épocas que lo componen.  Su ingenio y forma creativa de repensar la arquitectura lo llevo a diseñar la biblioteca más espectacular que he visto hasta ahora. Vamos a ver cómo esto se enlaza con las reflexiones anteriores.

 

Labrouste fue la fuente de inspiración a principios del siglo 20 para los arquitectos americanos, y no me sorprende. Si nos ponemos a ver la historia de Labrouste, podemos ver que al igual que Miralles aplica lo contemporáneo en sus diseños, pero le da un toque personal.  El no solo hacia arquitectura combinando estilos de diferentes épocas, sino que creaba nombres para nombrar su arquitectura.  Como arquitecto supo darle vida a lo contemporáneo en sus proyectos.  El proyecto que más me cautivo fue la Bibliothèque Nationale.

 

Soy una persona a la que le gusta leer, pero no encuentro una biblioteca lo suficientemente inspiradora como para leer en ella.  Sin embargo, cuando vi la Bibliothèque Nationale quedé cautivada.  Me encanta que el haya decidido implementar la naturaleza y hacerla parte de la estructura. Su bóveda es blanca y brillante, lo que provoca que la luz se refleje y la biblioteca sea iluminada con luz natural. Su estrategia era hacer que el espacio estuviera elevado e iluminado, lo cual me da la impresión de que las personas están en un árbol y se sientan en contacto con la naturaleza.  Eso si me motivaría a leer en una biblioteca más a menudo.

 

Nunca había escuchado de Labrouste y el diseño de sus bibliotecas me llevó a desear conocer más de él.  El supo llevar a cabo lo contemporáneo en su arquitectura al igual que Miralles. Labrouste le daba su toque personal a su arquitectura contemporánea y su Bibliothèque Nationale llamó mi atención.  Su idea de implementar la naturaleza me cautivó, considero que logró su objetivo de simular que se encuentra en un árbol. Esto demuestra que la arquitectura contemporánea va más allá de simplemente mezclar estilos, sino que puedes darle tu toque personal para dejar un legado único.

Referencias:

 

https://static1.squarespace.com/static/522d0844e4b09d456b0a2ea6/t/5f50d0ed947e4e5d5cc7f337/1599131905917/Labrouste_PREVIEW.pdf

 

https://www.youtube.com/watch?v=TvbbodjbWv4&t=84s

 

 

4.    De la piedra al vidrio

 

Cuando el hierro y el vidrio comenzaron a producirse en masa, la arquitectura se revolucionó.  Comenzaron a experimentar con todas las posibilidades que se puedan hacer con la utilización de ambos materiales.  De esto nace el Palacio de Cristal. La utilización de materiales para crear algo nuevo, pero a la vez viejo, es refrescante.  El Palacio de Cristal es un nuevo acercamiento a estilos existentes. La mezcla de tipos en este proyecto arquitectónico se mezcla tan bien que las personas no podían identificar uno del otro.

 

               La utilización de vidrio y hierro marcó el tiempo, ya que comenzó el diseño y construcción de rascacielos y edificios diáfanos.  Diáfano significa que permite la entrada de luz casi en su totalidad, como lo es el Palacio de Cristal.  Se comenzó a experimentar con elementos ya existentes, por ejemplo, el palacio tiene naves y cúpulas al igual que las iglesias góticas, pero no parece una iglesia gótica por su diseño y materiales.   El estudio del Palacio de Cristal me hizo ver cómo con el simple cambio de materiales se puede hacer algo completamente diferente. 

 

               Curiosamente esta estructura no la diseñó un ingeniero ni un arquitecto, sino que lo diseñó un botánico.  Hace sentido que lo haya diseñado un botánico ya que el palacio parece un invernadero, lo que inspiró el diseño.  El palacio es un edificio diáfano, es completamente de cristal y su estructura de hierro.  La estructura, al ser parte del diseño, las personas que lo visitaban confundían el tipo arquitectónico con el tipo estructural, lo que distraía a los visitantes del hecho de que fuera una nueva versión de las iglesias góticas.  El ensamblaje de dicha arquitectura es uno prefabricado, lo que facilita la construcción y transportación de este.

 

               El hierro y el vidrio marcaron un periodo en la historia donde comenzaron a construirse y diseñarse estructuras antes inimaginables.    El Palacio de Cristal utiliza los elementos de las iglesias góticas como las naves y la cúpula y les da un refrescante cambio, permitiendo completamente la entrada de luz natural al espacio.  La integración del tipo estructural al diseño confundía a los visitantes y estos no podían diferenciar entre el tipo arquitectónico y el tipo estructural.  La construcción de este palacio de cristal fue prefabricado, lo que permitió que se ensamblara en solo cuatro meses y se pudiera transportar.  Es interesante cómo nuevos materiales pueden transformar algo existente en algo completamente nuevo y diferente, catalogándolo como contemporáneo, y cómo les facilitó la vida pudiendo ser flexibles con la construcción y ensamblaje de este. 

Referencias:

 

https://www.youtube.com/watch?v=mDCpFBJtP3U&t=7s

 

The history of Iron and steel - youtube. (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=7E__zqy6xcw

 

 

 

 

 

 

5.    Bueno, bonito, barato: ejecutando lo contemporáneo.

            A medida que vamos estudiando diferentes arquitectos y proyectos, vamos confirmando lo que vengo discutiendo desde la primera reflexión. Cada arquitecto que habla o construye contemporáneo se relacionan entre sí. Escogí a Otto Wagner ya que me disfruté el Banco de Vienna y se relaciona mucho con las dos reflexiones anteriores. Dos cosas especificas que me encantaron de Wagner es su uso de materiales económica y funcional, y cómo, según él, es que debe ser la arquitectura moderna o contemporánea. El documental de Wagner se vincula con “La personalización de lo contemporáneo” y “De la piedra al vidrio”. Esto me emocionó e hizo que me comprometiera más con el documental, al nivel de verlo tres veces.

 

 

 

                Wagner solía construir edificios renacentistas, y cuando se convirtió a la arquitectura moderna, las personas lo vieron como una traición. Cuando le encargaron diseñar y construir el Banco de Vienna, tenía que diseñar arquitectura moderna y ajustarse a los requerimientos de la época. Lo que particularmente captó mi atención fue el uso y selección de materialidad. La época requería que se construyeran edificios monumentales de piedra o mármol. Estos requerimientos hacen que el proceso de construcción sea más costoso y lento. Wagner era un arquitecto práctico, él decidió construir el banco con ladrillos y cubrió la fachada con láminas de mármol para dar la apariencia de que toda la estructura es de ese material. Esto fue una decisión muy ingeniosa, ya que cumplía con los requerimientos y se construyó en menos tiempo y más económico.  ¿Quién se va a enterar de que en realidad está construido en ladrillo y no mármol en su totalidad? Lo mejor de dos mundos, cumpliendo con los requerimientos y ahorrando tiempo y dinero.  Podemos ver que a Wagner le gustaba ser económico, funcional y práctico, no solo a nivel de construcción y fachada, sino que las escaleras están laminadas con mármol y linóleo, haciendo que sea fácil de limpiar y reemplazar.

 

               Una de las frases de Wagner que se quedó conmigo es “Uno no puede permitir que la selección de un estilo dicte la creación arquitectónica. El arquitecto debe crear nuevas formas, adaptando las que mejor satisfacen las técnicas de construcción del tiempo y requerimientos de la era”. He estado hablando de que el estilo contemporáneo es escoger una o varias épocas existentes y utilizar elementos no utilizados o reciclar estilos ya existentes, por lo que el hecho de que un arquitecto se inspire en una época para hacer su diseño contemporáneo, no quiere decir que se vaya a copiar de esos estilos. La selección de un estilo no debe ser una camisa de fuerza y no puede decidir lo que va a diseñar.  El arquitecto debe inspirarse, pero no replicar el estilo, debe inspirarse adaptándolo a la época en que vive.  Esto se relaciona con mi reflexión “La personalización de lo contemporáneo”, ya que lo contemporáneo es personalizar estilos anteriores y no un “copy paste” de ellos.  Wagner también dijo “Arquitectura debe dejar de imitar los estilos del pasado, debe convertirse en un verdadero reflejo de nuestro tiempo”.

 

 

                El banco de Vienna se mezcla con los edificios que están en su alrededor en cuanto a fachada, pero una vez entras al “Banking Hall” es más palpable la combinación de estilos y elementos y a su vez refuerza tanto “La personalización de lo contemporáneo” y “De la piedra al vidrio”. La forma del “Banking Hall” es basado en la forma de las basílicas cristianas antiguas que consiste en una gran nave central rodeada de dos naves más bajas. El techo es de vídrio y las columnas de aluminio lo atraviesan dándole un aire misterioso. Pero esas columnas no son para sostener ese techo de cristal, sino para sostener un segundo techo que hay encima con el propósito de aislamiento y protección. A su vez produce más luz en el espacio.  Wagner personalizó las antiguas basílicas cristianas colocándolas dentro de una estructura (el Banco de Vienna) y pasando de la piedra al vidrio.

 

               Otto Wagner ejecutó muy bien la definición de contemporáneo en el Banco de Vienna. Fue un arquitecto muy práctico, ya que cumplió con las exigencias arquitectónicas del momento de manera rápida, práctica y económica. La fachada del banco se integraba muy bien con los edificios aledaños y el “Banking Hall” es un perfecto ejemplo de lo contemporáneo. Toma la basílica cristiana y las construye en cristal.  Wagner miraba al pasado para poder diseñar para el futuro, pero no imitaba estos estilos. Un arquitecto debe adaptarse a la época y tener en cuenta cómo la arquitectura podría cambiar a lo largo de los años para crear edificios eternos.

 

 

 

Referencia:

Architecture. Otto Wagner the Vienna Savings Bank - YouTube. (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=_Rt-EdwzKvg?hd=1 

 

 

6.    Banco y Galería

Recordaremos que en la reflexión pasada estuvimos hablando del Banco de Viena. Entre los temas tocados hablamos de su implementación del hierro en su diseño y estructura.  Yéndonos por esa línea me pareció interesante leer y estudiar un poco de la Galería de las Máquinas. Conocer un poco de la Galería y cómo se relaciona con el Banking Hall.  A continuación hablaré brevemente de la Galería y sus similitudes con el Banco.

 

Para dar un poco de contexto hablemos un poco de la Galería de las Máquinas. La Galería de las Máquinas fue un pabellón parala Exposición Universal de Paris que se llevó a cabo en 1889. Fue un precedente para próximos edificios y estructuras que se construyeron que querían imitarlo e incluso superarlo. Se compone de una gran nave central de muchos metros de luz y flanqueada por dos naves laterales con veinte arcos de hierro triarticulado. Hubo mucha controversia por el material utilizado para su construcción y sus dimensiones. Se creía que la estructura en realidad se había construido con acero y no con hierro, pero se comprobó que el 96.5% del material utilizado fue hierro forjado. También se crearon muchas teorías de la cantidad de luces de la estructura. Había varias versiones de 109 hasta 115 metros, pero también se probó que en realidad medía 110.60 metros.

 

La Galería de las Maquinas fue una estructura icónica y pionera de las estructuras de su clase, entre ellas el Banco de Viena. La Galería de las Maquinas tiene varias cosas en común con el Banking Hall del Banco de Viena. La primera de estas es la más obvia, que ambas están construidas en hierro y vidrio. Es curioso como ver que tanto el Banking Hall como la Galería de las Máquinas los anteceden estaciones ferroviarias y cómo tienen un diseño muy similar. Ambas consisten en una nave principal y una más pequeña a cada lado, al igual que las antiguas iglesias cristianas. 

 

La Galería de las Máquinas fue un pionero y precedente para estructuras que se diseñaron y construyeron más tarde en la historia, uno de estos fue el Banking Hall del Banco de Viena. Podemos notar que ambos se inspiraron en una estación de ferrocarril y comparten un diseño muy similar. Ambas se construyeron con acero y vidrio y tienen tres naves, una grande en el centro rodeada de dos más pequeñas. Aunque hubo controversia y dificultades, la Galería de las Máquinas fue una estructura exitosa que rompió parámetros y retó la arquitectura de la época.  Fue algo nuevo y revolucionario.

 

Referencia:

 

https://static1.squarespace.com/static/522d0844e4b09d456b0a2ea6/t/5f60a488191d10200bfb9747/1600169123624/La_Galeria_de_las_Maquinas_de_1889_Reflexiones_his.pdf

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

7.    Elegancia contemporánea

 

 

El tema eterno de mi blog, “contemporáneo”.  Para dar un poco de contexto y ejemplo de esto, escogí el edificio Hallidie. El edificio Hallidie es contemporáneo y fue pionero de futuras estructuras. Al ser algo nuevo, fue un edificio emblemático e icónico de su época.  Sus detalles y pared cortina son los elementos que caracterizan y distinguen esta obra arquitectónica.

 

El Hallidie Building, terminado de construir en 1918, está ubicado en la calle 130 Sutter, San Francisco. Transportándonos a esa época, el edificio no se parecía a los demás que se encontraban en esa calle.  Era algo completamente nuevo, icónico y que parecía que no pertenecía a ese lugar.  Su fachada cuenta con una lujosa ornamentación la cual consiste en diseños de encaje pintados de dorado. Aunque así se acostumbraban a tener los edificios de esa época, su pared cortina fue una movida que sería de precedente para los rascacielos que se construirían en el futuro y lo que lo hacía diferente y novedoso. La intención del arquitecto, Willis Polk, era diseñar y construir un edificio nunca hecho en San Francisco y aunque muchos pensaron que en realidad sus ideas no fueron originales suyas, se concluyó que no fue influenciado por otros proyectos y que el edificio Hallidie fue el primer pared cortina real, ya que es ininterrumpido horizontalmente.

 

La pared cortina (“curtain wall”) es la fachada de cristal reticulado que compone el edificio de lado a lado. Esto es una característica que componen los rascacielos construidos en años posteriores que se mantiene hoy en día. El ventanal de cristal se sostiene por soportes que se proyectan desde cada piso. Están unidos por parteluces de aceros que hacen que flote sobre la estructura. Hoy en día se siguen construyendo paredes cortinas de esta manera.  Algo revolucionario y nuevo en aquella época sigue siendo relevante más de cien años después.

 

El Hallidie Building es, ante mis ojos, un proyecto arquitectónico muy atractivo.  La implementación de la ornamentación en un edificio diferente sin que parezca fuera de lugar es una cualidad que no todos pueden alcanzar.  Vemos cómo el uso del cristal y el metal ha permanecido hasta el momento sin dejar de lado todavía los ornamentos, un elemento que poco a poco se dejó de ver en la arquitectura.  Es una arquitectura muy elegante, delicada y diáfana, que encarna lo que es ser contemporáneo de manera revolucionaria. Al momento, ha sido una de las obras arquitectónicas que me ha cautivado.

 

Referencias:

 

Barmann, J. C. (2020, May 7). How the glass curtain wall was born. Curbed SF. Retrieved December 14, 2021, from https://sf.curbed.com/2018/3/7/17073432/hallidie-building-glass-curtain-history-san-francisco 

 

8.    Iglesia San José: la renovación

 

        Arquitectura es crear espacios habitables, pero la función de un arquitecto va más allá de crear espacios nuevos. Los arquitectos también se pueden dar la tarea de en algún punto de su carrera realizar una renovación o remodelación de un espacio. Como he aprendido en mi transcurso del bachillerato, en la arquitectura no se puede diseñar algo “porque sí” o “porque me gusta”. Todo debe tener un porqué y un propósito. Durante la conferencia del arquitecto Jorge Rigau pude ver el proceso para realizar la remodelación de la iglesia San José y en qué se basó para tomar las decisiones que tomó a la hora de hacer en el nuevo diseño.

Al inicio del proyecto de restauración de la iglesia, realizaron una investigación sobre las iglesias y su pasado. Al finalizar esta parte del proceso, se preguntó, “¿qué hago dentro de lo que se investigó?” Por lo que decidieron irse por los orígenes de la iglesia, cómo era o cómo pudo haber sido. Analizaron la historiografía e historiadores que han reinterpretado cómo se pueden mirar iglesias de esa época. Decidieron escoger cómo las diferentes órdenes religiosas que pasaron por la iglesia de San José añadieron al valor de la iglesia. La huella que dejaron las tres órdenes religiosas que pasaron por la iglesia debían reflejarse en la remodelación. Estas tres ordenes religiosas fueron los Frailes Dominicos, los Jesuitas y los Padres Paúles.

 

Para la renovación de la iglesia, decidieron integrar los elementos icónicos de cada una de las ordenes antes mencionadas. Estos elementos son la estrella con diamante de los Frailes Dominicos; el piso de mármol y la iluminación (bajo el concepto de que los cristianos caminan hacia la luz) de los Jesuitas; y los vitrales de Padres Paúles. Al querer implementar y/o conservar estos elementos de estas diferentes órdenes en la renovación de la iglesia, hace que sea un proyecto contemporáneo. Seleccionar elementos de órdenes religiosas que fueron parte de esa iglesia para honrarlos y hacer un producto nuevo es una decisión y lenguaje que venimos hablando a lo largo del semestre cuando hablamos de contemporáneo. En otras reflexiones hablamos sobre que tomaban elementos de diferentes épocas y en esta ocasión se tomaron elementos principales de las órdenes religiosas.

               Las renovaciones son parte del trabajo que puede realizar un arquitecto, pero al igual que al crear un diseño desde cero, las decisiones que se toman a la hora de hacer una renovación no se pueden tomar “porque sí” o “porque me gusta”, toda decisión tomada debe tener un propósito. En el caso de la Iglesia San José, el arquitecto Jorge Rigau y su equipo decidieron estudiar la historia de la iglesia y tomar elementos que dejaron su huella las diferentes ordenes religiosas que pasaron por ella. La estrella con diamante de los Frailes Dominicos; el piso de mármol y la iluminación (bajo el concepto de que los cristianos caminan hacia la luz) de los Jesuitas; y los vitrales de Padres Paúles, son los elementos que se implementaron en la renovación. Vemos que la palabra contemporáneo abarca muchas áreas, no solo épocas. En esta reflexión pudimos ver la contemporaneidad desde un nuevo punto de vista.

Referencia: 

 Jorge rigau- Restauración de la iglesia san sosé. Facebook Watch. (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://www.facebook.com/EArquitecturaUPR/videos/397347165402255

 

 

9.    EXENTRIC

 

         Antoni Gaudí fue un arquitecto español que realizó mucha de la arquitectura icónica de España, principalmente en Barcelona. Su estilo era uno único, lo que hace que su arquitectura resalte y se identifique fácilmente de las demás que las rodean. Dos de sus obras fueron La casa Milá (1910) y la Sagrada Familia (1882 - presente).  Su estilo se basaba en la deconstrucción y su inspiración era la naturaleza. Esto se veía reflejado en todas sus obras, que comparten el mismo estilo, pero no son iguales.

 

La casa Milá fue un proyecto para una familia en Barcelona, que luego se convirtió en un complejo de vivienda y ahora es un área de exhibición. Para Gaudí, su arquitectura era como cuerpos, ya que le fascinaba la anatomía. El decía que las columnas son el esqueleto y la piedra que recubre la estructura es la piel. Esta es una comparación muy acertada ya que el esqueleto es lo que sostiene nuestro cuerpo, así como las columnas sostienen el edificio; y la piel es el órgano que protege lo que esta en el interior, al igual que la piedra que compone la fachada. Al igual que el edificio Hallidie, la fachada de la Casa Milá es un “curtain wall”. Es una fachada que no tiene contacto con la estructura en sí, sino que lo que hace es que cubre el interior del edificio.

 

El estilo de Gaudí es uno excéntrico, su arquitectura es como esculturas, obras de arte inspiradas en la naturaleza. Una expresión de Gaudí que me gustó mucho es cuando dijo que la naturaleza es el plano que Dios nos dejó, por lo que su arquitectura es una celebración a Dios y a la naturaleza. Él mezclaba los estilos Góticos y Art Nouvelle en sus estructuras. Debido a su creatividad única, las personas de la época pensaban que él estaba loco. Pero eso pasa cuando la sociedad ve a alguien diferente, a la gente no le gusta lo diferente, pero eso es lo que nos hace únicos.

 

               Antoni Gaudí fue un arquitecto que dejó su huella no solo en Barcelona, España, sino que en el mundo entero. Un hombre excéntrico, creativo, que celebraba a Dios y a la naturaleza a través de la arquitectura. No solo honraba la naturaleza, sino que la veía a través de lo que construía. Veía sus estructuras como cuerpos, lo que humanizaba la arquitectura. Antes, su arquitectura me parecía muy extraña y hasta cierto punto “fea”, pero esos documentales hicieron que lo viera desde otro punto de vista y me atrajeran sus diseños.

Referencias:

sivasparch. (2011, August 28). Architecture 15 of 23 Antoni Gaudi the casa mila. YouTube. Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=Ek64mLpJtLE&t=1s

YouTube. (2019, November 23). The world's oldest construction project | sagrada familia. YouTube. Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=kkNGdzo_3EA

 

 

 

 

 

 

 

10.  Le Corbusier

 

            A través de las reflexiones hemos podido comparar y contrastar tanto los diferentes proyectos como los arquitectos.  Como arquitectos contemporáneos tienen cosas en común. En este caso, si nos vamos una reflexión atrás, podemos ver que Gaudí tiene ciertas similitudes con Le Corbusier. De igual manera, Le Corbusier tiene su propia esencia en su arquitectura. Sin embargo, no todo salió como planeaba.

Algo que resaltó mucho para mí de la reflexión pasada fue la integración de la naturaleza en la arquitectura. Gaudí decía que la naturaleza es el plano que le dejó Dios a los arquitectos. Él tomaba la naturaleza de inspiración para hacer sus diseños, por lo que todos tienen una forma única y orgánica. Le Corbusier, aunque no tomó la naturaleza explícitamente para realizar el diseño de la estructura, sí trabajó con ella. La tomó en consideración y se puede decir que trabajó a la par con la misma. Se dejaba llevar por la línea de la pendiente y planteando que la localización del proyecto es muy importante. El templo del Ronchamp recoge el agua de lluvia y su curvatura crea una cascada natural.

 

Podemos ver que el hormigón expuesto es algo que está presente en muchos de sus proyectos. Implementaba el color y hacía paletas de colores para partes de sus edificios. Hacía estrategias como elevar sus estructuras, construirlas de manera modular, etc. Aunque los arquitectos tengan cosas en común, siempre tienen elementos que los diferencian. No todas las expectativas de Le Corbusier se cumplieron ni logró hacer todo lo que quería.

 

Le Corbusier, al igual que Gaudí, se inspiraba mucho en la naturaleza y trabajaba con ella y no contra ella. Prestaba atención al detalle como usar paletas de colores, tomar en consideración el entorno, entre otras cosas. Estrategias novedosas que realizó fueron elevar sus estructuras, hacer terrazas en el techo, construir con módulos (aunque esto ya se había visto), entre otros. Le Corbusier nos enseñó que no siempre nuestros proyectos van a cumplir nuestras expectativas ni lograrán nuestros objetivos. No nos podemos sentir mal porque él que fue un arquitecto experimentado de renombre también le pasó.

Referencias:

 

YouTube. (2018, January 25). Ronchamp I Le Corbusier I a walk through in 4K. YouTube. Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=hEkQvR-el3M

YouTube. (2018, June 14). Unité D´HABITATION i le corbusier I a walk through in 4K. YouTube. Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=usdUcwP9lT0&t=12s

csxlab. (2012, January 27). 14/23 Le Corbusier - the cloister La Tourette. YouTube. Retrieved December 14, 2021, from https://www.youtube.com/watch?v=HQSozfwZ_5E&t=1s

 

11.  Geometría fragmentada

 

            Anteriormente había hablado sobre Enric Miralles y algunas de sus obras arquitectónicas en la reflexión “Si han llegado hasta aquí son actuales”. En aquella reflexión hablé de cinco de sus obras, las cuales son arquitectura contemporánea muy abstracta y diferente. Leyendo un poco más de Miralles y de su proceso para diseñar, pude entender cómo es que diseñaba su arquitectura. Dos conceptos que me resaltaron en el texto fue la geometría y la yuxtaposición. Mirando los proyectos anteriores veremos cómo estos elementos se entrelazan con ellos.

Uno de los elementos que resaltan de la arquitectura de Miralles son sus dibujos en planta. Son muy características ya que al verlas a primera vista es algo caótico.  Luego de leer más sobre él pude entender mejor cómo es que realiza sus “caóticas” plantas. La configuración espacial de sus plantas es una geométrica reconocible. Luego aplica conceptos como “desmembrar, repartir y fragmentar” para modificarlas sin que pierda identidad. En otras palabras, los espacios que creaba con figuras geométricas, las fragmentaba y dividías para hacerlos más abstractos pero sin perder la esencia de la figura. El realizó dos jerarquías de plantas, la planta matriz y el plano parcial.  La planta matriz “es la planta desde la que se generan las piezas que integran el proyecto” y el plano parcial “es un fragmento de la planta matriz, descontextualizado y aislado, en el que una serie de secciones, alzados y detalles construyen su definición tridimensional hasta generar una pieza arquitectónica”.

 

Luego de fragmentar las figuras geométricas, Miralles hace el paso que caracteriza sus plantas. Miralles se aleja de ortogonalidad rígida y cúbica, y relaciona las plantas con la yuxtaposición y la superposición. La yuxtaposición “hace referencia a una relación horizontal, no necesariamente plana, en la que las piezas se disponen sobre una misma base o soporte, como es el caso del Cementerio de Igualada”. La superposición “habla de una relación vertical, generada por estratificación sucesiva de unas piezas sobre otras, como ocurre en la propuesta para el Tribunal de Justicia de Salerno, donde unos cuerpos lineales y ovoidales se superponen en distintos niveles sin solución de continuidad, pivotando sobre los núcleos de comunicaciones”. Es gracias a esto que a simple vista no se ve esa identidad geométrica en las plantas de Miralles, porque toma las figuras, plantas, etc., y las yuxtapone y las superpone.

Luego de leer esta lectura pude comprender mejor cuál es el proceso de diseño de Miralles. Siempre que veía su arquitectura y sus plantas no me hacían sentido. Me preguntaba cómo es que sacaba esas plantas tan abstractas y ahora comprendo mejor. Pude ver la yuxtaposición en muchas de sus plantas y me siento más en conexión con Miralles y que puedo entender su visión mejor. Esto me enseña que hay muchas opciones diferentes de diseñar fuera de la ortogonalidad y dibujar cuadrados uno al lado del otro.

Referencias:

PDF superior La Planta Miralles: Representación y pensamiento en la Arquitectura de Enric Miralles. 1Library.Co. (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://1library.co/title/planta-miralles-representacion-pensamiento-arquitectura-enric-miralles

 

12.  La caja Sert

                José Luis Sert, en sus años que pasó en la prestigiosa Universidad de Harvard, construyó una casa para su familia que se aleja a lo que estamos acostumbrados a ver hoy en día. No sé de dónde sacó dicho concepto, pero me parece uno muy interesante. El concepto, a mi traducción, se trata de darle la espalda a lo que sucede al exterior de la casa para enfocarse en lo que ocurre en el interior. Aunque es una casa pequeña, es una acogedora que aprovecha los recursos sustentables. Adicionalmente, esta casa se relaciona bastante con la reflexión anterior de Miralles.

               La casa Sert se compone de un muro que mantiene la casa en una caja cerrada al exterior. Pero eso no es todo, dentro de esa caja se encuentran patios interiores. Esto permite una conexión con la naturaleza a pesar de estar desconectado de lo que sucede afuera. Estos patios son uno en el centro de la casa y uno en cada lateral. Esto permite que haya una conexión visual con todo el espacio que hay dentro de la caja.

 

               Esta casa tiene elementos que la hacen sustentables, como por ejemplo la iluminación y la ventilación natural. Podemos concluir que, al estar encerrada por un plano sólido, se corta la ventilación e iluminación que puede llegar a la casa. Cuando vemos la casa en sección, podemos ver que Sert inclinó un poco el techo hacia el interior para proveer tanto la iluminación como la ventilación. La planta de esta casa “se plantea como un elemento que fragmenta la rigidez compositiva dándole una mejor articulación de planos y volúmenes”. Esto se relaciona fuertemente con las plantas de Miralles, ya que él fragmenta los componentes espaciales y se aleja de esa rigidez que tienen las plantas ortogonales. Aunque visualmente estas dos plantas son muy diferentes, el concepto es casi el mismo.

               Sert construyó una casa que se aleja en diferentes maneras a lo que estamos acostumbrados a ver hoy en día. Cercó el terreno de la casa por un muro sólido que separa el interior con el exterior y añadió patios interiores. Los patios contrarrestan el bloqueo visual de la caja. Adicionalmente, los patios proveen iluminación y ventilación natural junto con el techo inclinado de la casa. La fragmentación de la composición de la casa se asimila conceptualmente a las plantas de Enric Miralles.

Referencias:

Details, A. (2020, January 7). La Casa Sert en Cambridge: Josep Lluis Sert. veredes. Retrieved December 14, 2021, from https://veredes.es/blog/la-casa-sert-en-cambridge-josep-lluis-sert/

Casa Sert en Cambridge. 180607_ARQP_RVST_Banner_120. (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://arquiscopio.com/archivo/2012/09/21/casa-sert-en-cambridge/

 

 

 

 

 

 

 

13.  La Eames House

 

La casa Eames es una que contiene diferentes estrategias y conceptos arquitectónicos. Podemos ver que en ella se aplican elementos que se han estado presentes en otros proyectos a raíz de tropiezos que han tenido otros arquitectos.  Los arquitectos se enfrentan con diferentes situaciones que deben resolver de maneras ingeniosas o viendo cómo otros arquitectos lo hicieron. Algunos retos que se puede enfrentar un arquitecto son las condiciones climáticas del lugar, las condiciones del terreno, el presupuesto de construcción, etc. Al ser problemas comunes, podemos encontrar soluciones similares o iguales en diferentes edificios.

Ante situaciones como la Segunda Guerra Mundial, los arquitectos han tenido que construir de manera rápida, económica y, en algunos casos, que se puedan desmontar y trasladar. Esta es una de las estrategias de la casa Eames, fue construida con materiales prefabricados, de manera que se construye mucho más rápido y fácil. Al estar en una crisis mundial, se desarrollaron nuevos materiales y tecnologías que hasta el sol de hoy se utilizan. Ejemplos de esto son los materiales prefabricados usados en esta casa. Un material muy común utilizado para la construcción de partes prefabricadas es el hormigón.

 

 La casa está ubicada en una parcela plana y se compone de dos cajas sostenidas por un muro de contención de hormigón. Cada caja con función diferente, lo que permite que se rompa la composición espacial de manera rítmica. Los espacios de la casa me recuerdan a la casa Sert, ya que son espacios continuos y no hay divisiones solidas entre los espacios como una casa tradicional. Esto hace que se sienta un espacio liberador y la doble altura conecta el primer y el segundo piso.

Los arquitectos miran precedentes para ayudarse a resolver problemas que se enfrentan en el proceso de diseño. Algunos problemas como el clima, el terreno y el presupuesto son los más comunes que un arquitecto puede enfrentarse. Al otros haber pasado por eso, los arquitectos pueden mirar qué decisiones tomaron. Una de las estrategias que podemos ver en la casa Eames, es la prefabricación de materiales. Una estrategia rápida y económica que se comenzó a utilizar gracias a la Segunda Guerra mundial.

 

Referencias:

Perez, A. (2014, July 2). Clásicos de Arquitectura: Casa Eames / Charles Y Ray Eames. Plataforma Arquitectura. Retrieved December 14, 2021, from https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/623323/clasicos-de-arquitectura-casa-eames-charles-y-ray-eames

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

14.  ABSTRACCION

 

               Durante muchos años en la historia, los seres humanos hemos plasmado artísticamente las experiencias o el entorno del mundo que nos rodea. Estamos acostumbrados a vivir, ver, experimentar y sentir las cosas de manera explícita hasta que, en un momento dado, los artistas comenzaron a hacer lo que se conoce como arte abstracto. Como esto era algo completamente nuevo, las personas de la época no lo vieron con buenos ojos. La abstracción es utilizada para tratar de representar o expresar elementos sensoriales y elementos que no se expresan físicamente. El arte abstracto es expresado y realizado de diferentes maneras por los artistas, lo que significa que no hay manera correcta o incorrecta de hacerlo.

 

               El arte abstracto es una forma de expresión artística que se expresa utilizando elementos que no son reconocibles. Es un arte que abre la imaginación y se presta para muchas interpretaciones. Cuando este arte comenzó a surgir, las personas quedaron en “shock”, ya que estaban acostumbrados a ver arte donde quedaban plasmadas imágenes del mundo que nos rodea. Cabe mencionar que los artistas fueron transicionando poco a poco del realismo a lo abstracto. “Seascape” de JMW Turner, demuestra que cosas que existen en el mundo puede muchas veces verse abstractas.

 

               Aun habiendo estudiado arte en una Escuela Especializada en Bellas Artes, me cuesta apreciar el arte abstracto y tampoco he sabido cómo hacerlo. Porque para mí, hacer arte abstracto debería ser con una intención, tener un tema o emoción en mente que se vea reflejada, plasmada y que los que la vean puedan sentirlo. Aparte de eso, nunca he sabido qué técnicas usan los artistas para hacerlo. Jackson Pollock hace arte abstracto goteando y salpicando la pintura sobre el lienzo, Picasso practicaba la técnica del cubismo, que consta de dibujar elementos reales utilizando figuras geométricas, se pueden utilizar diferentes tipos de brochazos, utilizar colores vibrantes, que sean obras planas, etc. Hay muchas maneras de hacer abstracciones y como dije anteriormente, no hay maneras correctas o incorrectas de hacer arte abstracto.

 

               Esta manera de hacer arte es una que cualquiera puede utilizar para expresarse. Como todo lo que es nuevo y diferente, el arte abstracto fue algo difícil de aceptar en un inicio; aunque hoy en día es más común y aceptado, sigue siendo algo incómodo y difícil de apreciar. Mi estilo artístico siempre ha sido el hiperrealismo, lo que se me hace más difícil la abstracción, lo que hace que no sepa qué hacer o cómo hacer dicho arte. La verdad es que se puede hacer de cualquier manera, utilizando cualquier medio. A diferencia de una pintura que plasma un paisaje literal, el arte abstracto es uno que está abierto a muchas interpretaciones y significados, es algo que aunque se puede lograr con el realismo, el surrealismo que puede ser abstracto lo caracteriza.

Referencias:

 

Public Broadcasting Service. (2016, December 22). The art assignment. PBS. Retrieved December 14, 2021, from https://www.pbs.org/video/art-assignment-abstraction/

Public Broadcasting Service. (2018, February 15). The art assignment. PBS. Retrieved December 14, 2021, from https://www.pbs.org/video/the-case-for-jackson-pollock-7gsm6n/

 

 

15.  ¿Modernidad en LATAM?

Hemos visto cómo Europa ha dominado la arquitectura por muchos siglos. Marcando eras, tiempos, momentos en la historia solo con su arquitectura. Por muchos años, su arquitectura fue una sin precedentes, cambiando de tiempo en tiempo hasta llegar a lo contemporáneo. América Latina no estuvo expuesta a los avances arquitectónicos de la época ni arquitectos que revolucionaran la arquitectura. Esto representó un atraso arquitectónico a estos países.

               Los países europeos han estado un paso adelante en las innovaciones arquitectónicas, creando estilos y tipologías nunca vistos. Lamentablemente, América Latina por muchos años no ha tenido la oportunidad ni el acceso a actualizarse en diferentes recursos de diferentes aspectos de la vida, tecnología, servicios de educación y salud dignos, entre otras cosas. Esto se tradujo en la arquitectura también, digamos que se quedaron estancados y no sabían cómo estaba avanzando el mundo de la arquitectura fuera de América Latina. Obviamente, no se quedaron atrás, cuando le dieron una mirada a lo que hacía Europa, pero ya estaban bastante atrasados. Esto los llevó a imitar estilos para “ponerse al día” en lugar de crear los suyos.

               Se puede decir que la arquitectura latinoamericana “llegó tarde”. Esta no tenía grandes líderes arquitectónicos, lo que hizo que la arquitectura fuera una copia o una reacción a otra arquitectura. Al los países colonizadores de Latinoamérica ser países europeos en su mayoría, a estos fue a quienes tornaron su mirada estos arquitectos. Arquitectura europea y también norteamericana. Cosas que influyen en la arquitectura de una nación o continente son elementos como la política. Al América Latina copiar arquitectura de Europa y Norte América, su arquitectura moderna no representa una historia de estos países, tiene una escasa representación y definición de los medios políticos.

 

               Como he dicho anteriormente, en la arquitectura no se pueden hacer cosas “porque sí” o por hacerlas, la arquitectura debe tener un porqué, una razón de ser. Es por esto que, cuando se analizaba la arquitectura de LATAM en el museo de MoMa, se cuestionaban muchas cosas y no podían encajarla con la historia de estos países. Al quedarse rezagados arquitectónicamente, recurrieron a imitar otros estilos arquitectónicos particulares de Europa y Norteamérica. Esto les resultaba más fácil que crear nueva arquitectura debido a su mestizaje artístico, literario, histórico, entre otros. Cuando en realidad, cada arquitectura se ve influenciada por diferentes elementos del contexto político y social que la rodea. 

Referencias:

(PDF) Luis E. Carranza. review of "Latin America in ... (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://www.researchgate.net/publication/289571356_Luis_E_Carranza_Review_of_Latin_America_in_Construction_Architecture_1955-1980_by_Barry_Bergdoll_Carlos_Eduardo_Comas_Jorge_Francisco_Liernur_and_Patricio_del_Real

The Avery Review: Still constructing... "Latin America in construction: Architecture 1955–1980". The Avery Review | Still Constructing... "Latin America in Construction: Architecture 1955–1980". (n.d.). Retrieved December 14, 2021, from https://averyreview.com/issues/8/still-constructing

by, R. (2015, December 1). Modern Architecture in Latin America: Art, technology, and utopia. Architectural Record RSS. Retrieved December 14, 2021, from https://www.architecturalrecord.com/articles/6337-modern-architecture-in-latin-america-art-technology-and-utopia

16.  Carpenter Center y Mill Owner's Association Building

    Durante el semester hemos hablado sobre diferentes arquitectos, siendo uno de ellos Le Corbusier. Sus obras son diferentes, pero comparten características y elementos en común. En esta última ocasión vi sus obras el Carpenter Center for the Visual Arts en la Universidad de Harvard y el Mill Owners' Association Building. Aunque son edificios diferentes en lugares diferentes, comparten elementos mutuos. Estos también reflejan aspectos de obras pasadas combinados con nuevos elementos.

 

    El Carpenter Center for the Visual Arts en la Universidad de Harvard es un edificio para la facultad de artes visuales de dicha universidad, tal y como lo dice su nombre. Este edificio destaca de los edificios del `recinto, que fueron construidos antes de que los Estados Unidos fueran constituídos. Le Corbusier propuso algo más moderno. Implementó brises-soleil para evitar la entrada del sol. La distribución de espacios es una diferente a la que está acostumbrado a hacer.

    El Mill Owner’s Association Building es similar en varios aspectos al Carpenter Center. También su distribución espacial es una diferente. Constan de mantener el espacio abierto para una configuración espacial adaptable. Poder dividir los espacios a conveniencia de su uso. Ambos textos donde describen ambos edificios mencionan una estrecha relación con su Villa Savoye. Específicamente la rigidez repetititva de ella.

    Le Corbusier ha sido uno de los arquitectos más estudiados durante este semestre. Podemos comparar sus proyectos y ver sus similitudes y diferencias. En el caso del Carpenter Center y el Mill Owner’s Association. Ambos proyectos comparten la rigidez repetitiva de la Villa Savoye y su espacialidad abierta para adaptarlo a conveniencia de los dueños o personas que utilizan el lugar. Ha sido interesante analizar y estudiar los trabajos arquitectónicos de los diferentes arquitectos como Le Corbusier.

Referencias:

Kroll, A. (2011, March 13). Ad classics: Carpenter Center for the Visual Arts / Le Corbusier. ArchDaily. Retrieved December 14, 2021, from https://www.archdaily.com/119384/ad-classics-carpenter-center-for-the-visual-arts-le-corbusier

Jones, R. (2014, January 7). Ad classics: Mill owners' association building / le corbusier. ArchDaily. Retrieved December 14, 2021, from https://www.archdaily.com/464142/ad-classics-mill-owners-association-building-le-corbusier?ad_medium=gallery

 

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